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人在任何年龄都可以学习音乐。优秀的教师，应了解学生资质的差异并知道如何因材施教。一位老祖母可经由练琴，得到很大的乐趣（弹琴对她的指头而言，亦是很健康的活动）。而一位生意人也可以借着练琴，将紧张的心情予以化解；努力过后如能完成一些迷人的乐章，那更令他心情震荡好半天。因此巴黎交响乐团有一句标语：“一个人是可以没有音乐而生存，但是他不会活得太好。”

如果幼儿从小在一个充满音乐的生活环境中长大，即使他从未听过一场真实的音乐会，也可以发展出宽广的音乐品位。他并不需要带着崇敬的心，坐在收音机或录音机前洗耳恭听古典音乐，因为听音乐应该是一件很愉悦、很享受的事情，并不是令人厌烦的工作。当这个小孩聆听了这一生第一场真正的音乐会以后，音乐创造的真实面，便在他眼前展现了。

给予学生健康真实的音乐观念及良好的弹奏习惯

钢琴老师所能够给予学生最重要的东西是：健康又真实的音乐观念及良好的弹奏习惯，让学生在琴键上有安全感，同时能享受弹奏的乐趣。拥有了这些难得的观念及能力后，学生才能在未来建立独立表达音乐的能力。即使他往后曾经中断学习及练习，也能在没有老师的教导下，再重新拾回过去的弹奏能力。如果学生想弹奏一些能够炫耀、卖弄的乐曲，则这些音乐只能是他在正常钢琴课之外额外的甜点，而不是正餐。他必须按部就班地学习。对初学者来说，“信任老师”是在学习初期便需要建立的重要心态。因为从心理学上来看，学习的能力可以在图表上画成一个平放的大S形状，意指学习的高潮与低潮总是此起彼落、相互间隔的。一旦学生面临低潮时，就需要依靠对老师及追寻目标的信心，才能渡过难关。

教师应将每一堂课的作业，清清楚楚地写下来

教师应将每一堂课的作业，清清楚楚地写下来，以告诉学生每周的进度及他们每日应该练习的方式，如此才能给予学生最实际的帮助。下面是一个例子： 双手弹奏奏C大调，A小调，G大调，E小调的音阶及琶音；以节拍器一拍（四个音）60的速度练习。每天小心地视奏《布尔格弥勒练习曲》。练习巴赫《创意曲》第一首的第一段，每日分手弹奏六次。注意乐句及力度的表现，遇到休止符时，提起手腕。复习巴尔托克的舞曲，右手练习装饰音。在练习时间结束前，以演奏会的方式，把舒伯特那首圆舞曲弹奏两遍。研读伊德·培塞尔（Ethel Peyser）那本《音乐的成长》中的第一章。 这里很清楚地指示了学生在练习期限中应该完成的作业，也提醒了他可能疏忽的练习重点。经过一段时日后，学生的父母、老师及他本身，都可从这样的记载上看出他都弹过些什么曲目，做过何种方法的练习。名钢琴家克拉拉·舒曼的老师，也就是她的父亲，曾督促她每天写音乐日记。这个习惯她一直谨守了一辈子。有许多年幼的孩童不愿意练习，主要是因为他们不知道每天要练些“什么”，及“如何”练习。因此教师应该给予他们明确的指示。此外，父母也可以扮演辅助的角色，诸如：常常倾听儿女们练琴，不时给予赞美及鼓励，为每日的练习设定一个不轻易改变的时间。在钢琴的弹奏里，机械化的部分是需要每天反复不断地磨炼才能获得的能力，因此每日至少一小时的练习时间，乃是绝对必需的。它不可以用其他的练习方式来取代，像每星期练两次，每次练上三个钟头等。对一个有天分但没有太多练习时间的学生，给他一份经过良好设计及均衡发展的曲目便可以达到很好的训练效果。虽然孩童偶尔也会像钢琴家一样，为了每天那练不完的劳役喃喃抱怨，但是最终他们还是会接受上述的训练，并且学习享受那些音乐。

老师要教导学生习惯与音乐沟通

有了基本的训练之后，教师要更进一步地教导学生习惯与音乐沟通。好的老师会不定期地举办一些非正式的小型音乐会，大约一个月一次。学生们可以从中彼此观摩、讨论曲目，并享受演奏的宝贵经验。有时候我们可以在一个特殊的日子里，鼓励学生弹奏他们曲目中特别的部分，像是在贝多芬节庆里弹奏贝多芬，或是在现代乐之夜弹奏现代作曲家的作品。任何作曲家的生日都可以举办类似的活动。每一次的聚会上，老师还可以选出几位学生，在他所指定研读的音乐书籍上做心得报告，同时不妨送一份奖品给那位心得报告写得最好的学生。艺术家们总是不断地练习新的乐曲，以丰富他们的演奏曲目；学生亦当如此，虽然他们的音乐会只是在老师的琴室里举行。艺术家还会随着每一场音乐会的演出逐渐增进演奏的能力及内涵，因此老师更是要尽可能地给学生们演奏的机会，以提高他们的演奏能力。名钢琴教师莱谢蒂茨基便经常邀请学生到他的琴室。他要学生们把琴谱全部摊放在一张大桌子上，而后，这位大师从中任意抽取一本，乐谱的所有人便得出来演奏。一位思考周到的教师懂得寻求各种方法，以刺激学生进步。

教师应灌输良好的基本观念坐姿及双手弹奏的位置

开始弹奏钢琴，就应该在键盘上培养出良好的弹奏习惯。所有肢体的活动都需要朝着“放松”及“敏捷”的目标努力，而最简单的方法，就是最好的方法。首先，舒适地坐直，让肩膀下垂不要突起，手肘自然地靠近身体，下手臂抬起来正好与键盘平行，手腕稍稍高一点，使手指能轻松地推动琴键。一位早年教过我的老师（莱谢蒂茨基的学生）称这种高手腕的姿势为“罗马拱形式”。由于手从高处悬挂下来、力量很容易便到达每一手指的指尖，易于控制声音，这种具有重量的触键，使我能放松地控制手指的活动，且发出扎实的音色。如图一及图二所示。“坚实的手指”是优秀技巧的基础。最好每一只手指都被训练成抬起来后便能坚固地按到琴键的底部。坐的时候，你的背部要直，不论手伸到琴键的任何一边，身体都必须依靠过去，这样，指尖才有整个身躯的力量作为支持。安东·鲁宾斯坦在世时，就是因为运用向前倾斜的身体，弹奏出巨大音响而闻名于世。阿图·施纳贝尔在演奏抒情的乐句时，贝利用身体的向后微仰，让手指有浮动的感觉，从而奏出优美的曲调。

如何认识音符

一位幼童可以很清楚地借着琴键上的两个黑键而认出左下方那个C音，他尤其可以在整个琴键上玩“找寻C”的游戏。接下去，他便可以由C认识CD及CDE等所有的白键。在教导他认识升与降的音符时，告诉他，钢琴上最小的音程就是半音。半音向右，不论在黑键或白键上，都是升；半音向左就是降。他也可以以上述的方式去认识全音。初学者经由这样的导入，便能得到很正确且健康的升降和初步音程的观念，同时也为将来学习本和声做了一个良好的引导。

如何认识节奏

初学者开始学习算拍子的时候，最简易的方法是教导他以横的方向念出所有最小的数值。在拍子中使用“和”，例如：“1和2和3和4和……”或是“1-和-和，2-和-和，3-和-和，4-和-和”（三连音）。如果最小值是十六分音符，则“1-1-和-1，2-1-和-1，3-1-和-1，4-1-和-1”。遇附点音符，便可写下音符所在的号码或音节，学生在数拍子上便不致观念模糊不清。弹奏一首新曲子前，学生可先用嘴巴念出拍子，等到他熟悉了音符的时值，一看谱便有正确的反应后，才到琴键上做实际的练习。

一

二

视唱练习

在欧洲，“视唱”是用嘴巴把音符唱出来的一种艺术。几个世纪以来都被认定为音乐教育中一个很重要的部分，它曾经被假定在帮助视谱及背谱上，具有绝对存在的价值。当学生将一首巴赫前奏曲用Do、Re、Mi唱出来时，他必须花很多时间去练习，才能熟练且合速度地唱出所有的音符。以这个方式将音符深植于我们的下意识里，不失为一个好办法。但是我却观察过，许多精于视唱的学生最后都变得十分机械化，而失却了视唱训练原先存在的意义。因此我只在特别需要时，才建议学生视唱做额外的辅助。例如：练习一段有复杂音符的乐段时，因为头脑熟悉音符的速度较手指熟悉琴键的速度来得慢，有时会产生干扰手指活动的现象，此时便可利用唱的方式将音符先仔细地唱出来，运用思考来复习那些进行时有困难的音。我曾经有一位音乐家朋友，可以使用一只手指把一整首音乐作品弹完，他用这个方式来考验自己的记忆力。

和声

研习基础和声对具有天分的学生而言，是十二万分重要的训练。因为学生必须学习用他们的智力及耳朵，分辨出旋律上及和声上的音程。和声的训练同时也能教导那些“听不出音乐”的人，让他们知道合乎逻辑的“对称”，是一切音乐作品的骨架。一个学生如果能熟知并弹奏出每个调的和声进行，当他在弹奏一首新的作品时，就不会在一堆升降记号前措手不及而戛然停止下来。学习和声使我们习惯由头脑指引手指的活动及使用内在的耳朵倾听，而头脑也会借着熟悉和声的进行来帮助背谱。这所有的知识都能强化我们了解一首作品的结构，使整首音乐能在脑海中呈现清晰的画面，因此音乐家应该永远保持研究和声的习惯。学生在得到了基本的和声概念后，可以考虑是否要继续学习下去，并且学对位及作曲。基本的和声概念在钢琴家早期的训练上相当重要，它就像拉丁文一般，是一切语文的基础。教师可以使用一些适当的和声教材让学生们练习，最好能合乎每一个学生的程度，好让他们能轻松地吸收。

音阶与琶音

要地熟悉键盘，需要多年的努力方能达到。而这期间，每日的音阶练习更是不可少的功课。由西方文明发展出来的音乐，大部分都是建立在调性上（24个大小调）的，所以熟悉每个调性的位置及音阶，乃是非常重要的基本能力，也是为未来排除技巧恐怖感所作的最好准备。各个调上的音阶、琶音及半音阶的指法，在很早以前就已经被建立起来了。这些指法给所有不同形状、大小的手来弹奏，都是适合的。想象力丰富的老师能够找到许多刺激学生的方法，使音阶与琶音的练习变得富于趣味性。我们应该把这些技巧的练习，放在每日必练的程序里，作为暖身的步骤。肌肉经过了初步的活动后，才能自动地反应出音乐表现上的各种需求。有了这个基础，求得灵敏精巧的手指便是理所当然的了；而任何音乐上的想象亦可以借着它而实现。演奏会中，常常会因为紧张、琴键过松，或是单纯的兴奋，我们在弹奏时突然有不寻常的快速度产生，造成了注意力上极沉重的负荷。因此我们必须在平日的练习上，很确定自己的双手是绝对经过严格的训练，在任何突发的状况下，它们都值得信赖，并能安然渡过危机。每日最好以四个八度弹奏所有的大小调音符、琶音及半音阶。记载这些练习及指法的书相当多，在此不再赘述。不过教师和学生可以另外从中设计出许多具有乐趣的练习方法，比如：分手练习。双手以三度、六度、八度、十度练习。双手交叉练习：在训练双手的独立性上，特别有效用。断音弹奏：以手指跳奏，　　　　　以手腕跳奏，　　　　　以手肘跳奏。一只手强，一只手弱。一只手圆滑奏，一只手以断音弹奏。以不同的重音练习，如第四章中“变换重音”的练习方式所述。以节拍器慢速度到快速度做练习。 所有的小调都应该以和声小音阶及曲调小音阶做练习。属七和弦的琶音练习则有助于增强第四指。每天，我们都可以以不同的组成方式练习基本技巧，例如：第一天，C→Db：C大调音阶、琶音→C大调音阶、琶音→以C为始，弹奏导向Db大调的属七和弦琶音，即CEbGbAb，Ab为根音。接着由Db→D……直到练完所有的调。第二天，C→G：C大调音阶、琶音→C小调音阶、琶音→以D为始的属七和弦琶音，即DF#AC，导入G大调。接着由G→D……直到练完所有的调。第三天，C→F：C大调音阶、琶音→C小调音阶、琶音→以C为始的属七和弦琶音，即CEGBb，导入F大调。接着由F→Bb，以此类推，直到练完所有的调。技巧的练习上建立各种秩序，是非常好的练习方式。初学者在开始学习音阶及琶音时，总是苦恼于下列两点困难：（1）无法圆滑又快速地将大拇指从其他手指下转过去，总会使手臂及手肘产生晃动。（2）当其他手指是越过大拇指时，总会使手肘向外急拉。下面是克服上述困难的练习方法，名为“阻挡式的音阶与琶音练习。

三

*注意放松你的肩膀。解决大拇指活动的问题，是音阶练习中很重要的一个部分。即使开始练习音阶时你不需要注意它，但是随着弹奏速度的加快，总有一天你会需要正视这个问题。指法下面是我们经常使用的半音阶指法：上行由C到C，右手：2313123123412　　　　　　左手：131321432132I下行由C到C，右手：2143213213132　　　　　　左手：1231234123131 我建议以上述指法弹奏半音阶，主要是因为轮流使用1 2 3 4指，可以增加乐句进行的速度及圆滑度，并给大拇指休息的时间。由大部分乐曲中的半音阶句子都不是太长，因此上述指法适用于一个八度内的半音阶弹奏。音符不多，在记忆上较不吃力，在练习上也较实际。不过这样的指法不适用于两个八度的半音阶弹奏。以后面三指来弹奏半音阶也是很重要的技巧： 上行C到C，右手：5343453434345　　　　　左手：4343543434354 下行C到C，右手：5434343543435　　　　　左手：4534343453434 当你的“右手”需要以平行小三度弹奏半音阶时，下面是最好的指法，得自钢琴家布索尼： 上行，大拇指由C开始3 4 5 3 4 3 4 3 4 5 3 4 3　　　　　　　　　 1 2 1 2 2 1 2 1 2 1 2 2 1下行，第二指由C开始3 4 3 5 4 3 4 3 4 3 5 4 3　　　　　　　　　 2 1 2 1 2 1 2 2 1 2 1 2 2 上述指法同样可以用在大三度及四度的半音阶弹奏上。不论上行或是下行，第二指以滑过的方式弹奏，可以让线条圆滑。三度的半音阶弹奏绝对不是简单的技巧，其间存在着许多艰难的障碍，需要长时间练习及极大的耐力才能练出来。但是一旦练成了，那真是极值得夸耀的成就呢！所以尽量使用各种方法去练习它，如：重音练习、不同的节奏、节拍器从慢到快的练习，等等。由于我有一双很小的手，因而发现在弹奏平行六度和八度的半音阶上，也可以使用手指中的后三指（如上述指法里的上方手指），加上跳跃的大拇指在下方移动。也许手大的钢琴家有更适巧的指法。不论如何，弹奏这些高难度技巧，要注意将手腕靠近身体，这样你的手才容易指出音乐进行的方向。指法是非常个人化东西，适用于某人的指法，不一定适用于另一人。但是一些基本的、自动化的指法，对每一位钢琴家来说，都是运指技巧上最重要且最坚固的基础。每日固定的练习，则是获得这个基础，并保持手指灵敏度唯一的方法。有了这基本的能力，即使偶尔在演出时，瞬间发生了错误，你的大脑也会马上根据习惯，反应出同一调上的音阶或琶音。因此尽早建立稳固的基本指法，是我们面对失误时，最安全的保证。除非我们遭受到非常强烈的冲突，或是在极端紊乱的状况下，才会弄乱它们。否则那些根深蒂固的习惯，是极不可能被打破的。

视奏

如果在学习视奏的过程中你拥有良好的练习方法，则这个过程一定是简单又愉快。我们应该不时地增进视奏的能力，因为连资深的演奏家都不断持续加强这方面的技巧，更何况是我们呢？从一开始学习视奏，我们就得遵守不看琴键的原则，这与打字的道理是相通的。对初学者，我建议以布尔格弥勒练习曲、伯提尼练习曲（Bertini）、舒伯特圆舞曲，还有格里格、亨德尔、莫扎特、普赛尔（Purcell）的小品来练习。四手联弹也有助于训练视奏者的节奏反应。其他一些材料，像巴尔托克的《匈牙利农歌》（Hungarian Peasant Songs）及《罗马尼亚圣诞歌曲》（Rumanian Christmas Carols），或普罗科菲耶夫的《灰姑娘组曲》）（Cinderella Suite）及《瞬间幻影》（Vision Fugitives），则提供给眼与手合作的极佳练习。最后，在你每日的视奏练习上，可以尝试把所存的斯卡拉蒂、海顿、莫扎特的奏鸣曲依次弹过去。另外，改编成四手联弹的海顿及莫扎特交响曲、亨德尔的小提琴奏鸣曲等，都是很好的视奏材料。可以用来视奏的曲目是说不完、道不尽的。强烈的好奇心是引导你练习它们最好的动力。我们应该尽早了解，音乐也可以是令人兴奋的团体活动。为別人伴奏，本分便是一种特殊的艺术。为合唱团、弦乐重奏、小提琴及轻歌剧演唱者伴奏，可以训练你融合铸造出适当的音色。在室内乐的演奏上，试着以优美的声音及活泼的律动感鼓舞你的合作者，在旋律及节奏的表现上尽量与所有的人一致。弹奏时除了耳听自己，同时也要耳听他人，不断将自己的音乐调整得与其他演奏者完全在一起。这所有的细节都与练习一首协奏曲相似，因此这是为将来弹奏协奏曲所作的最好准备。“优秀的视谱”，意指视奏的人将乐谱上任何细节与记号全都仔细地弹奏出来。视谱是学习一首陌生乐曲的第一步，这个阶段最重要的是工作就是没有错误地认识整首音乐，使将来的练习能在正确的情况下进行。注意所有音符、休止符、速度及力度记号、圆滑线和乐句的正确性，让眼睛看谱的速度走在手指活动之前。小心在音阶及琶音上所使用的指法，务必使它们圆顺。所有视奏上的能力，只有靠每日持续不断的练习才能臻于完善的境界。